Escribir con imágenes en movimiento. Fotografía cinematográfica
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Visor de cámara filmando, en manos de operador.
(s. a.)(2017).[Videocámara] [fotografía].
https://pixabay.com/es/photos/video-c%C3%A1mara-%C3%B3ptica-fotograf%C3%ADa-2562553/
Durante los primeros 100 años del cine, fotografía fue sinónimo de un proceso fotoquímico. A medida que las tecnologías electrónicas, como la grabación de video digital, han eclipsado los métodos tradicionales, a ésta se han añadido procesos no fotográficos, como las imágenes generadas por computadora (CGI).
Para producir significados, la fotografía se trabaja en conjunto con el resto de la organización de una película: puesta en escena, edición, producción y diseño sonoro. Su uso más poderoso implica más que demostrar simplemente el conocimiento de la técnica: se trata deprovocar sofisticadas respuestas emocionales, intelectuales y estéticas. Los directores expresan en términos visuales, usan imágenes tal como los escritores usan palabras. Para captar la importancia de la expresión visual, los espectadores deben ir más allá de la visión selectiva, que es la tendencia a ver sólo aquellas cosas que quieren, esperan o están acostumbradas a ver, sin mirar detenidamente el cuadro o la escena.
En esta unidad son más importantes los efectos de las técnicas de fotografía, que los métodos exactos utilizados para lograrlos. Aquí examinarás las formas en que los cineastas la utilizan para desarrollar personajes, contar historias, sugerir ideas y evocar emociones. Posteriormente, abordarás los procesos fotográficos y las tecnologías digitalesa través de cuatro elementos: el trabajo de la cámara (operación, colocación y movimiento de la cámara), las lentes y los filtros, el material y los efectos visuales especiales. Por último, analizarás los efectos cinematográficos que son posibles gracias a la tecnología digital.
Claqueta
(s. a.)(2017).[Clap cine] [fotografía]. https://pixabay.com/es/photos/pel%C3%ADcula-director-clap-cine-c%C3%A1mara-2545676/
La fotografía condiciona tanto las características espaciales del fotograma, como el carácter temporal de la unidad mínima cargada de significado de una película: el plano. Las películas narrativas cuentan historias, los documentales cuentan y observan eventos reales, las películas experimentales crean nuevas combinaciones de imágenes y sonidos; todos estos tipos de cine se desarrollan en coordenadas de espacio y de tiempo.
La toma, una serie única de fotogramas o frames ininterrumpida, es la unidad básica de expresión del cine: una imagen cuyo significado se despliega a través del tiempo. Los planos varían en su longitud, los hay desde breveshasta elaborados planos secuencia.
Editar varias tomas juntas produce una escena (unidad coherente) que tiene su propio comienzo, medio y final.
Con el fin de utilizar el tiempo en el set de manera eficiente, los realizadores y los directores de fotografía generalmente planean cada toma con anticipación. Un método para planificar es el storyboard, una serie de dibujos que presenta la película de forma secuencial. El director de fotografía ayuda a elegir el posicionamiento de los actores, la cámara y la iluminación para cada toma.
Fotograma de tres bailarinas que hacen movimientos coordinados semejantes.
(s. a.)(2016).[Ballet danza bailarina] [fotografía].https://pixabay.com/es/photos/ballet-danza-bailarina-escena-1376250/
Las películas generalmente no se graban en orden cronológico y, excepto en producciones de muy bajo presupuesto, cada plano se filma más de una vez. Cada versión repetida de un plano se llama toma. Los tiros ininterrumpidos de más de un minuto se llaman tomas largas. Las tomas prolongadas crean una tensión dramática, enfatizan la continuidad del tiempo y el espacio, y permiten a los directores centrarse en el movimiento de los actores en el espacio de la puesta en escena.
Noche estrellada con efecto de movimiento.
Davis, Ch. (2017).[Estrellas] [fotografía].https://pixabay.com/es/photos/startrails-estrellas-timelapse-2683150/
Los directores de fotografía pueden manipular la velocidad del registro de las imágenes para comprimir o expandir el tiempo. A menos que deseen efectos especiales, la velocidad de grabación estándar es de 24 cuadros por segundo. Al reducirla o aumentarla y luego proyectar la película a 24 cuadros por segundo, los realizadores pueden lograr distorsionar la percepción del tiempo.
Para producir estas escenas, se graban las imágenes a una velocidad más rápida de la que se proyecta. Cuando la película se proyecta a la velocidad estándar, la acción parece ralentizarse. La cámara lenta se ha utilizado para propósitos tanto cómicos como dramáticos.
Para producirlo se graban las imágenes a una velocidad más lenta que la de proyección. Se exponen menos fotogramas en un minuto cuando se graba a una velocidad de 16 fps (número de fotogramas por segundo) que a una de 24 fps. Cuando se proyecta a 24 fps, esa acción tarda menos de un minuto en la pantalla y parece extraordinariamente rápida.
En inglés time-lapse, la técnica es un proceso de grabación de un número muy pequeño de imágenes durante un largo periodo de tiempo, por ejemplo, un fotograma por minuto o por día. De esta manera, por ejemplo, se puede presentar un proceso muy lento, como la aparición de una flor, en cuestión de segundos
Contrapicada entre dos edificios, con avión al fondo.
Gaida, M. (2019).[Arquitectura rascacielos] [fotografía]. https://pixabay.com/es/photos/arquitectura-rascacielos-horizonte-3984725/
Mientras que la duración de una toma y el registro lento o rápido influyen en el sentido del tiempo del espectador, la posición y el movimiento de cámara afectan la comprensión del espacio; determinan la forma en que los espectadores perciben personajes, eventos y objetos en el mundo de la pantalla.
Tres variables importantes para cada toma son: la altura de la cámara, el ángulo y la distancia respecto a la acción. Estas opciones transmiten información, crean motivos (elementos que se repiten), introducen ideas y aportan al estado de ánimo de la escena.
La ubicación de la cámara puede evocar una amplia gama de emociones, que van desde forzar la intimidad hasta establecer distanciamiento entre los personajes y las situaciones. Se observan tres aspectos en la posición de la cámara:
Con mayor frecuencia, se aproxima a una visión de la acción al nivel de los ojos, pero estas tomas generalmente se combinan con otros planos hechos desde puntos de vista más altos o bajos. Esta convención de altura puede asumir una variedad de formas.
En la mayoría de los planos, la cámara está nivelada de manera perpendicular a la acción. Las tomas de ángulo picado, donde la cámara se coloca sobre la acción y apuntan hacia abajo, tienden a minimizar al sujeto. Un resultado puede ser que los personajes parecen menos poderosos.
Las tomas de ángulo contrapicado, que colocan la cámara debajo del sujeto, apuntando hacia arriba, a menudo exageran el tamaño y el volumen del sujeto. Los personajes parecen más poderosos, ya que dominan físicamente el plano.
Un plano desde arriba, también llamado cenital o vista de pájaro, ofrece una perspectiva única sobre la acción. Rara vez se usa y normalmente logra un efecto dramático. Sin embargo, los cenitales no siempre se explican por los eventos de la trama. Un director puede incluirlos para alejar al espectadorde los personajes o la acción.
Cuando las técnicas cinematográficas alientan a los espectadores a alejarse de la historia o los personajes en términos de su compromiso emocional, se dice que es el efecto distancia al espectador.
Se refiere al espacio entre la cámara y el sujeto, que puede determinar qué tan emocionalmente involucrado está el público con los personajes. Hay planos generales o abiertos, medios y cerrados o primeros planos. Las tomas hechas con medios y primeros planos tienden a producir un mayor sentido de intimidad al permitir que los espectadores se centren en las caras y las emociones de los personajes, mientras que las tomas largas tienden a enfatizar el entorno y el espacio que les rodea. Pero el efecto de cualquier distancia de plano debe interpretarse en su contexto. Los cineastas también usan la distancia de los planos para transmitir ideas abstractas.
Asimismo es importante recordar lo que excluye la ubicación de la cámara: el fuera de campo se refiere a los espacios dentro de la diégesis (mundo de la historia), que están excluidos temporal o permanentemente de la visión del espectador, pero no de los personajes. Los cineastas pueden usar comportamiento, diálogo y sonido para recordar a los espectadores que existen espacios fuera de campo, sin mostrarlos explícitamente
Cambiar la altura, el ángulo o la distancia de la cámara simplemente para tener en cuenta los cambios en la posición del personaje se denomina reencuadrar. Los movimientos de cámara pueden afectar el significado de los planos y las escenas, y éstos pueden ser:
Dron en el aire.
(s. a.)(2019).[Dron] [fotografía].https://pixabay.com/es/photos/drone-volador-c%C3%A1mara-h%C3%A9lice-4836972/
Un paneo es el movimiento de giro horizontal de una cámara fijada sobre su trípode. Un movimiento de desenfoque se produce cuando este tipo de planos se ejecuta tan rápidamente que produce una imagen borrosa (motion blur, en inglés), lo que indica una actividad rápida o, a veces, el paso del tiempo.
Una inclinación se refiere a la técnica de inclinar la cámara verticalmente mientras permanece sujeta a un trípode. El movimiento puede simular un personaje mirando hacia arriba o hacia abajo, o ayudar a aislar o exagerar la dimensión vertical de un objeto o entorno.
Para liberar la cámara en el espacio, los cineastas a veces la montan en plataformas rodantes que aseguran un movimiento fluido y controlado. Una plataforma puede ser un carro llamado dolly, que tiene ruedas que giran, por lo que puede cambiar de dirección con facilidad. Los cineastas de bajo presupuesto a veces usan carritos de compras como plataformas y se paran o se sientan dentro para grabar.
Un plano de seguimiento se realiza al mover la cámara sobre una plataforma rodante, a lo largo de una pista derieles construida para tal fin. Los planos de seguimiento pueden rastrear el movimiento lateralmente (a través del cuadro) o dentro y fuera de la profundidad.
Las cámaras montadas en grúas crean movimientos tridimensionales de barrido. Las tomas aéreas desde aviones o helicópteros permiten a los cineastas componer tomas desde grandes distancias.
En muchos casos, los cineastas quieren obtener escenas íntimas con sutiles movimientos de cámara. Sin embargo, las cámaras de cine convencionales son muy pesadas; sin un soporte como el Steadicam, todos los movimientos del operador de cámara se traducirían en incómodas imágenes inestables.
En la década de 1960, las cámaras livianas de 16 mm, capaces de grabar sonido sincronizado, condujeron a un auge importante del cine documental y, en particular, del cine directo observacional. La sensación de inmediatez producida por tomas de cámara en mano también es evidente en ciertas escenas de algunas películas de ficción narrativa, como en los momentos climáticos de algunas películas de terror o aventuras.
Otras innovaciones en la tecnología de la cámara que permiten a los cineastas incorporar movimientos fluidos son las cámaras submarinas o la SkyCam, un sistema que consiste en suspender y mover cámaras con cables y poleas.
Como sugiere esta breve discusión, discernir el significado de la colocación y el movimiento de la cámara requiere una consideración cuidadosa y situada en su contexto.
Equipo fotográfico.
(s. a.)(2015).[Lentes] [fotografía].https://pixabay.com/es/photos/equipo-fotograf%C3%ADa-c%C3%A1mara-digitales-731132/
La cámara no ve el mundo como lo hace el ojo humano. Los ojos y las cámaras usan lentes para enfocar. Los rayos de luz convergen, produciendo una imagen del objeto observado. La lente del ojo humano enfoca los rayos de luz que ingresan a la pupila en la retina. En la cámara de cine tradicional, la lente enfoca los rayos de luz que entran por la abertura del diafragma en el soporte de película de celuloide. Las lentes de la cámara deben calibrarse cuidadosamente para producir la imagen deseada. Mantener las imágenes enfocadas parece ser un elemento bastante básico de la realización cinematográfica, pero, de hecho, los cinefotógrafos usan ciertos tipos de lentes y filtros no sólo para mantener el enfoque adecuado, sino también para dar forma al ambiente y desarrollar temas.
Las características visuales de las lentes: profundidad de campo y distancia foca
Las lentes tienen diversas características y permiten dar forma al espacio de la historia. Comprender las propiedades focales de las lentes ayuda a los espectadores a evaluar el marco como un campo visual que sirve como entorno para la acción, que crea la textura de otra realidad o que exterioriza los sentimientos de un personaje. Lo más importante es la profundidad de campo, que se define como el rango de nitidez aceptable antes y detrás del plano de enfoque, la cual describe el espacio delante y detrás del sujeto principal donde los objetos permanecen en un enfoque nítido.
Las lentes pueden ser normales, de gran angular (ojo de pez) o de teleobjetivo. Cada una produce un aspecto distintivo debido a que su distancia focal (medida en milímetros de la distancia desde la superficie de la lente hasta la superficie de la película en la cámara) determina en gran parte la profundidad de campo:
Distancia focal: 27 a 75 mm
Se aproxima a la visión y la perspectiva del ojo humano. No se aprecian distorsiones espaciales.
Distancia focal: menos de 27 mm
Produce un ángulo de visión más amplio que el ojo humano y exagera la profundidad del marco. Los personajes (u objetos) en el primer plano aparecen más grandes de lo que son y los del fondo aparecen más pequeños. También acelera la convergencia de líneas paralelas para que parezcan doblarse más de lo que lo hacen cuando se ven a través de una lente normal. Estas lentes distorsionan dramáticamente las imágenes pues la mayoría de las líneas rectas parecen curvas.
Distancias focales: varían de 75 mm a 1000 mm
Comprimen la distancia entre los objetos; es decir, la distancia entre el primer plano y el fondo parece ser menor de lo que realmente es.
Longitud focal: variable
El zoom cambia el tamaño del sujeto filmado sin alterar la distancia entre el sujeto y la cámara. Al rotar el cilindro del objetivo, la imagen cambia de gran angular a teleobjetivo (acerca, lo cual amplía al sujeto), o de teleobjetivo a gran angular (aleja, lo que hace que el sujeto parezca más pequeño). Al acercarse o alejarse, el sujeto permanece enfocado.
Distinguir entre un zoom de acercamiento y un plano de seguimiento que se mueve hacia el sujeto puede ser un desafío. Los espectadores deben tener en cuenta que acercarse (pasar de un gran angular a un teleobjetivo) minimizará la percepción de la profundidad. En lugar de sentir que la cámara se mueve hacia el sujeto, los espectadores pueden sentir que el sujeto se dirige hacia la cámara.
Combinación de movimiento de cámara y de lentes
A veces se combinan el movimiento de la cámara y la lente de zoom para crear tomas inusuales. La cámara puede acercarse hacia un objeto cuando la lente se aleja. Esta combinación produce un efecto perturbador porque el objeto sigue siendo del mismo tamaño (el seguimiento hacia él lo haría más grande, pero al alejar el zoom esto se contrarresta), mientras la profundidad aparente del objeto aumenta (por el zoom-out). Estas tomas pueden producir una sensación de extrañamiento en el espectador.
Filtros y difusores
Los filtros cambian la calidad de la luz que ingresa a la lente al absorberla de diferentes maneras. Afectan contraste, nitidez, color e intensidad. Los de densidad neutra, los polarizadores y los de difusión o color crean efectos especiales para resaltar narrativa, contexto y drama de una escena. La noche americana se refiere a la práctica de rodar durante el día, pero con ciertos filtros y subexposición para crear la ilusión de que es de noche. Este tipo de rodaje generalmente es más exitoso con películas en blanco y negro.
Otro factor clave que influye en el aspecto de la película es la elección del tipo, lo cual afectará color, nitidez o contraste de las imágenes. Los cineastas experimentados conocen películas particulares para ayudar a crear el aspecto de una obra. Las cámaras digitales están equipadas con diferentes tipos de CCD (del inglés charge coupled device, es decir, dispositivo de carga acoplada), que difieren en su respuesta a la luz y, por lo tanto, producen diferentes tipos de imágenes.
Características en cine
La película de celuloide está compuesta por dos partes: la emulsión (capa química sensible a la luz en la cual se forma la imagen) y la base (material de soporte flexible para la emulsión). La base para las primeras películas fue el nitrato de celulosa, una sustancia altamente inflamable que fue reemplazada en la década de 1950 por el triacetato de celulosa.
Los atributos de la película incluyen:
Cámara de 8 mm.
Tamaño de la película, medido horizontalmente a lo largo del ancho del material de película. Los largometrajes estándar se filmaban y proyectaban en una película de 35 mm.
Negativos de 35 mm.
Skitterians,R. y P.(2016).[Cine] [collage] https://pixabay.com/es/illustrations/diapositiva-anal%C3%B3gico-fotograf%C3%ADa-1645387/
Medida de la sensibilidad de la película a la luz, obtenida mediante un índice llamado ASA o número DIN. Cuanto más alto sea el número ASA o DIN, mayor será la sensibilidad de la película a la luz y más rápida será la película.
Hombre de perfil en claroscuros.
Paraschiv, M. (2016).[Hombre de perfil] [fotografía].https://pixabay.com/es/photos/hombre-retrato-sombr%C3%ADo-oscuridad-1253004/
Partículas suspendidas de plata o granos sensibles al color en la capa de emulsión. Después del procesamiento, los granos pueden hacerse visibles como puntos. Las películas de grano más fino registran más detalles y muestran imágenes nítidas con alta resolución. La película granulada, con su resolución más baja y sus imágenes más borrosas, se asocia típicamente con el noticiero en blanco y negro y el cine documental.
Long shot de calle arbolada y con transeúntes.
Akyurt, E. (2013).[Personas caminando en la calle] [fotografía].https://pixabay.com/es/photos/documental-personas-horizontal-2339774/
Luz y exposición
La exposición se refiere a la cantidad de luz que incide sobre la capa de emulsión de la película. Cuando se abre el obturador de la cámara, la luz pasa a través de la abertura y golpea la película. El tamaño de la abertura puede variar para dejar entrar una cantidad mayor o menor de luz.
La sobreexposición ocurre cuando entra más luz de la necesaria y la imagen resultante es notable por su alto contraste, luz deslumbrante y sombras borrosas. La subexposición ocurre cuando muy poca luz llega a la emulsión. Las áreas oscuras en una imagen subexpuesta aparecerán muy densas y el contraste general será menor que una imagen expuesta correctamente.
Los directores de fotografía eligen el tipo de material de acuerdo con los efectos estéticos que buscan lograr. De vez en cuando se puede utilizar película en blanco y negro y en color en una misma obra, para contrastar entre el pasado y el presente, o entre la realidad y la fantasía.
La fotografía siempre ha involucrado el color, incluso antes del desarrollo de tal tecnología. Alrededor de 1910, la mayoría de las películas lo utilizaban. La técnica más común fue el teñido: bañar la película (normalmente unaescena a la vez) con un tinte.
Por otro lado, con las mismas tecnologías los cineastas pueden hacer usos diferentes:
Cuando Kodak y Agfa fabricaron películas más sensibles en la década de 1930, los estudios respondieron de manera diferente, lo que dio lugar a estilos visuales distintivos. Los principales estudios de Hollywood tenían sus propias técnicas para diferenciarse de la competencia.
Si bien los procesos de cine a color se desarrollaron en la década de 1930, no fue hasta después de la Segunda Guerra Mundial que se convirtió en un estándar de la industria. Además del estético, la fotografía en color tenía un fin comercial pues así los estudios de cine podían competir con la televisión, al principio en blanco y negro.
En 1928, Technicolor perfeccionó un proceso que se convirtió en el estándar de la industria desde 1935 hasta mediados de los cincuenta. Las fortalezas de Technicolor fueron colores vibrantes y estables que envejecieron bien. Pero su monopolio y el hecho de que el proceso utilizara tres veces más cantidad de películas que la fotografía en blanco y negro significaba que el cine a color era mucho más costoso.
El desarrollo de Eastmancolor contribuyó a la adopción generalizada de la fotografía a color. Utiliza una película de varias capas que produce impresiones más nítidas que el proceso de Technicolor, pero sus colores son menos saturados. Se hizo popular porque los estudios de cine podían usar una cámara estándar y procesar la película en sus propios laboratorios, ahorrando dinero.
El color, como elemento de la puesta en escena y la fotografía, permite a los cineastas expresar ideas, temas y estados de ánimo. Cuando los directores eligen trabajarlo, lo hacen entre una amplia gama de opciones. Un factor que ayuda a los realizadores a decidir entre éstas es la calidad del color; cuando la emulsión en diferentes marcas y tipos de películas varía, también lo hace el color.
Al analizar el uso del color en una película, presta atención a las formas específicas en que se usa en relación con los elementos narrativos, visuales y sonoros.
Durante la década de 1950, los estudios de Estados Unidos desarrollaron formatos de pantallas panorámicas como parte de su campaña para competir con la televisión. Estos formatos ampliaron la relación de aspecto tradicional (relación de medida entre el lado horizontal y el vertical de la imagen) de la relación académica tradicional de 1.33:1 (también conocido como el 4:3 de la de la televisión tradicional), a 1.85:1 o 2.35:1. Actualmente, las salas de cine proyectan películas en esas dos últimas relaciones de aspecto. La relación de aspecto para la televisión contemporánea es de 1.78:1 (también conocida como 16: 9).
CinemaScope y Panavision utilizan accesorios de lentes anamórficos para crear una relación de aspecto de 2.35:1 con película estándar de 35 mm, cámaras y proyectores.
Otros procesos de pantalla panorámica implican cambios tanto en cámaras como en las películas. Cinerama usa tres cámaras, tres proyectores y una pantalla ancha y curva. Era una técnica tanto novedosa como cara. Los formatos de película ancha utilizan un tipo de película más grande que el estándar de 35 mm. El formato IMAX, por ejemplo, se filma en una película de 70 mm.
VistaVision fue una alternativa al Cinemascope desarrollada por la productora Paramount, que usaba película estándar de 35 mm, pero cambió la orientación de la película para que se moviera a través de la cámara en forma horizontal en lugar de vertical obteniendo un formato alternativo de impresión fotográfica panorámica.
Estereoscopía
La premisa del cine en 3D es un principio muy simple: los humanos ven el mundo en tres dimensiones debido a la visión estereoscópica. Nuestros ojos, con su posición ligeramente diferente, llevan distinta información visual al cerebro, el cual procesa la diferencia como profundidad.
Los cineastas han intentado aprovechar esto para traducir la visión estereoscópica en imágenes en 3D desde el siglo XIX:
Los espectadores que acudieron a ver The Power of Love, una película 3D de 1922, usaron unas gafas que contenían una lente azul y una roja, conocidas como gafas anaglifas. El método requiere que dos cámaras filmen dos tiras de películas diferentes, una con filtro de color rojo y la otra con cian (azul-verde). Las dos tiras se proyectan juntas, con un ligero desplazamiento. El cerebro interpreta las diferencias en las imágenes como distancia, creando la percepción de profundidad. Aunque esta tecnología se relaciona con la década de 1950, el anaglifo 3D todavía se utiliza.
Lentes de 3ª dimensión.
Otra tecnología 3D utiliza filtros polarizadores en lugar de filtros de color. Las gafas polarizadas usan unas lentes que filtran las ondas de luz según su dirección, en lugar de su color, proyectándolas a ciertos ángulos. Al igual que con las gafas anaglíficas, la polarización permite que sólo determinadas imágenes entren en un ojo y cancele lo que se ve a través del otro, y viceversa.
Filtro polarizador enfocando la cúpula.
La innovación en 3D, atribuida a James Cameron en Avatar(2009), fue la creación de un equipo de cámara estereoscópica móvil que usa una computadora para manejar dos lentes distintos capaces de converger ópticamente a medida que el ángulo de cada lente cambia de forma independiente. Este diseño se aproxima mejor a la forma en que funcionan los ojos humanos.
Espectadores en sala de cine.
Algunos cineastas afirman que estas técnicas no fueron diseñadas para atraer la atención hacia la tecnología, sino que involucran mayormente a los espectadores en la acción, tal como ocurre en la vida cotidiana. Por el contrario, muchos críticos opinan que no es más que un nuevo invento de la industria cuya finalidad es atraer espectadores a las salas de cine en un contexto donde el consumo de entretenimiento en casa es cada vez más preponderante.
Procesamiento y revelado de las películas
Una vez que se ha elegido y utilizado un tipo de película, los cineastas pueden lograr efectos visuales especiales al elegir métodos de procesamiento particulares. Se han desarrollado una serie de técnicas específicas, por ejemplo, raspar la superficie de la película para lograr el aspecto de cine casero, aumentar o reducir el contraste y la densidad a partir del manejo de diferentes tiempos de revelado, desaturar el color, etc.
Aunque comúnmente se asocian con el cine de ciencia ficción, los efectos especiales han sido parte de la experiencia cinematográfica desde el comienzo del cine y se utilizan en todo tipo de películas. Van desde la posibilidad de pintar sobre la película hasta generar imágenes por computadora. Aunque a menudo los términos se usan indistintamente, en el lenguaje de la industria:
Aquí abordarás los efectos de uso común, cómo se logran y por qué se pueden usar. Los efectos visuales digitales se logran con software informático. Los profesionales de este campo constantemente perfeccionan las técnicas existentes o desarrollan nuevas posibilidades para cada proyecto, por lo que cualquier discusión sobre este asunto se desactualiza rápidamente. No obstante, intentar describir los efectos de una manera clara y concisa, abordando la forma en que apoyan al sistema narrativo, también contribuye a un buen análisis cinematográfico.
Manipular la imagen en el set
Muchos efectos se emplean durante la filmación principal para crear ilusiones ópticas. Por ejemplo, filmar con maquetas de ciudades para realizar tomas aéreas, usar maniquíes, maquillaje, prótesis, o también:
Creación de transiciones y títulos de créditos con impresora óptica
Una impresora óptica es un dispositivo que permite volver a fotografiar la película y se utiliza para numerosos efectos visuales, incluidas las transiciones entre escenas:
Captura de movimiento
La tecnología de captura de movimiento es un proceso innovador que implica la creación de personajes digitales humanizados. Se ha utilizado en un número limitado de películas, pero es cada vez más popular para el cine de ciencia ficción o fantasía.
El proceso de captura de movimiento de Avatar se hizo con actores que llevaban un traje completamente lleno de sensores y cascos ajustados (hechos a la medida de su cabeza), que apuntaban una cámara digital a sus rostros y registraban todas las expresiones durante el rodaje. Las cámaras rastrean puntos de tinta verde que se colocan en la cara de los actores para captar hasta los movimientos más sutiles. El rodaje se hizo con 120 cámaras digitales, cuyos datos se transmitían a un software que transformó el movimiento de los actores en el de sus personajes virtuales, para que Cameron los viera en tiempo real.
Imágenes generadas por computadora
Las imágenes generadas por computadora (CGI, por sus siglas en inglés) fueron posibles gracias al rápido desarrollo de poderosas computadoras durante los años setenta. El CGI crea imágenes de fondo u objetos mediante un proceso de modelado 3D: desarrollo de las características espaciales de un objeto a través de un modelo, renderizado (que produce la imagen terminada) y luego anima el objeto simulando el movimiento de la cámara (cuadro por cuadro).
Cine digital: Postproducción
Los primeros usos de la tecnología digital fueron para el proceso de la postproducción, donde los cineastas reemplazaron el método de trabajo fotoquímico y la impresión óptica con técnicas digitales. Al igual que con todas las nuevas tecnologías, algunos artistas de efectos visuales utilizan las técnicas digitales de maneras muy creativas, empujando el arte cinematográfico hacia nuevos horizontes; otros lo utilizan simplemente para reemplazar la práctica estándar por economía. Así, los procesos digitales se han convertido en una parte fundamental del cine comercial porque son menos costosos u ofrecen un mayor control al director, al diseñador de producción y al editor.
Finalmente, te habrás dado cuenta que el tema de la fotografía es amplio y minucioso, requiere de saberes teóricos y prácticos que implican el manejo de la cámara para lograr la toma ideal que logre transmitir ideas y mensajes.
En esta unidad has comprendido los elementos principales de la fotografía para cine, entre éstos los tipos de planos, un tema de extrema importancia en la producción cinematográfica. Por lo tanto, estás preparado para reconocer en cualquier película cada uno de los diferentes planos.
En esta unidad has comprendido los elementos principales de la fotografía para cine, como son la relación del trabajo de la cámara respecto al tiempo y al espacio cinematográfico, los movimientos de cámara, el material para la película o los efectos; así como cuestiones básicas de cine digital y postproducción. Por tanto, estás preparado para identificar y analizar en cualquier película las implicaciones de cada decisión de un director al respecto.
Fuentes de información
Bibliografía
Ascher, S., y Pincus, E. (2012)The Filmmaker’s Handbook: A Comprehensive Guide for the Digital Age: Fourth Edition.Penguin.
Bordwell, D., y Thompson, K. (1995).El arte cinematográfico: una introducción.Grupo Planeta (GBS).
Burum, S. H. (2007)American Cinematographer ManualASC Press.
Material audiovisual
Movieclips (s. f.). [Archivo de video].https://www.youtube.com/user/movieclips
Side by Side (Subtitulada). (2014). [Archivo de video].https://www.youtube.com/watch?v=9WlKRmlc-cs
Sitios electrónicos
Industrial Light & Magic / VFX and Animation Studio.(s. f.). https://www.ilm.com/
Material audiovisual
Maestros de la luz. (2012). [Archivo de video]. https://www.youtube.com/watch?v=yiCEe6OFjOI&t=10s
Cómo citar
Barro, M. (2020). Escribir con imágenes en movimiento. Fotografía cinematográficaUnidades de Apoyo para el Aprendizaje. CUAIEED/Facultad de Artes y Diseño-UNAM. Consultado el (fecha) de (vínculo).
Mano sostiene lente a través del cual se mira
paisaje.
Lentes angulares.
Fotógrafa de perfil al momento de tomar una
foto.
